Образотворче мистецтво — це не лише спосіб показати світ, який ми бачимо. Воно завжди було інструментом самовираження художника, відображення його світогляду, а іноді навіть мостом між реальністю та містичним, потойбічним. Багато митців залишали у своїх роботах приховані послання з глибоким філософським змістом, які змушують глядача зануритися в більш тонке сприйняття твору. Розгадати їх непросто, але це справжнє задоволення для тих, хто шукає глибину.
Ми дослідили таємничі знаки у відомих картинах і зібрали їх у список, який допоможе відійти від поверхневого погляду на сюжет і по-справжньому відчути задум автора.
Ієронім Босх, «Корабель дурнів» (приблизно 1490–1500)
Образ корабля був надзвичайно популярним у Середні віки. Існували поняття «Божественний корабель» та «Диявольський корабель», на які, як вірили, потрапляли праведники та грішники. У цій картині сюжет нагадує, що все людство пливе по морю Часу, а гротескні персонажі символізують людські вади: нестриманість, обжерливість, марнославство.
Особлива, майже непомітна деталь — сова, що сидить на верхівці щогли-дерева. Сови були постійним елементом творчості Босха і завжди несли прихований сенс, який досі викликає суперечки серед дослідників. Вони могли символізувати мудрість, але водночас асоціювалися із загрозою.
Давид Байї, «Автопортрет із символами суєти суєт» (1651)
Предмети на цій картині вказують на кінцівку людського існування. Наприклад, згасла свічка, тендітні бульбашки, зів’яла квітка. Також на картині є деталь, доступна тільки найуважнішим глядачам.
Праворуч на стіні видніється тінь. Це контур обличчя покійної дружини художника, що виходить з темряви. Було висловлено припущення, що це примарна присутність музи живопису.
Рембрандт Харменс ван Рейн, «Повернення блудного сина» (1663–1665)
Згідно з притчею, один із двох синів повертається до батька, помандрувавши світом і витративши всі гроші. Весь його вигляд символізує падіння в нижчі верстви суспільства. Однак він кається, і батько з радістю приймає його назад. Особливий сенс прихований у формі рук батька. Рембрандт зобразив ліву руку більшою і мужнішою, а праву — витонченішою. Так руки позначають материнство і батьківство одночасно.
Джордж Воттс, «Надія» (1885)
Картина є частиною серії алегоричних сюжетів «Дім життя». Джордж Воттс зобразив сліпу Надію, яка сидить на земній кулі і грає на лірі, у якої залишилася тільки одна струна. Надія нахиляє голову, щоб послухати музику, але її зусилля здаються марними. За допомогою цих деталей художник робить атмосферу картини двозначною і відмінною від традиційного життєствердного трактування поняття.
Едвард Мунк, «Розставання» (1896)
Надання особливого значення волоссю — характерна риса творчості Едварда Мунка. Волосся дівчини на картині переплетене з волоссям чоловіка і спадає на його плечі — так, ніби розлучаючись, вони залишаються пов’язані одне з одним. Він стискає своє серце рукою, і цей жест перегукується з ще однією символічною деталлю на передньому плані — червоною квіткою у вигляді серця.
Арнольд Беклін, «Острів мертвих» (1880–1886)
Арнольд Беклін створив 5 версій цієї картини протягом декількох років. Твір був надзвичайно популярним: репродукції можна було побачити в Німеччині майже в кожному будинку середнього класу. Немає точної інформації, що саме надихнуло автора і що він хотів сказати своїм зловісним твором, але багато хто знаходить витоки в грецькій міфології. Подібним чином Харон переправляв душі в підземний світ. Примітно, що, починаючи з третьої версії, одна з похоронних камер в скелях праворуч має власні ініціали Бекліна: «AB».
Едвард Мунк, «Крик» (1893)
Едвард Мунк виявляв тривожний інтерес до електрики і технологій. Одного разу він розповів у своєму щоденнику, що його переслідувала таємнича форма. Вона «направляла дроти і тримала механізми в руках».
Можливо, на створення образу в «Крику» художника надихнула саме електрика. А точніше, силует гігантської лампочки Едісона на Всесвітній виставці 1889 року в Парижі. Цей експонат складався з 13 000 ламп розжарювання і справляв сильне враження. Вона була перевернута так само, як обличчя героя «Крику», і повторювала його форму.
Фріда Кало, «Автопортрет з мавпочкою» (1945)
Після розлучення Фріда почала обрамляти свою шию на автопортретах різноманітними елементами — стрічками, намистами, виноградними лозами або довгими руками мавп. Мавпи взагалі займали особливе місце в її житті: вони не лише часто з’являлися на картинах, а й жили в її будинку в Койоакані як домашні улюбленці. За словами художниці, ці тварини символізували дітей, яких у неї не було. Інша версія говорить, що мавпа, яка супроводжує Фріду на портретах, — її альтер-его.
Кольори на картинах також багато про що розповідають. У своєму щоденнику Фріда залишила пояснення до них, створивши справжній «код кольорів»:
- Зелений — теплий і приємний колір;
- Червонo-фіолетовий — ацтекський, живий і стародавній;
- Коричневий — земля, родимка;
- Синій кобальт — електрика, чистота, любов;
- Чорний — нічого немає насправді;
- Темно-зелений — погані новини і добрі справи.
Густав Клімт, «Поцілунок» (1907)
У рік, коли Густав Клімт писав свої роботи, у Відні активно обговорювали тему тромбоцитів і клітин крові. У зв’язку з цим існує думка, що візерунки на жіночій сукні мають особливий сенс і являють собою чашки Петрі, що пульсують клітинами. Таким чином героїня розкриває душу глядачеві.
Пітер Брейгель, «Падіння Ікара» (1558)
Ця картина сповнена таємниць — від значення деталей і персонажів до самого авторства останньої версії. Сюжет базується на грецькій міфології та описаний у «Метаморфозах» Овідія. Ікар отримав крила з пір’я і бджолиного воску, що дозволяли йому літати, але, проігнорувавши застереження батька, підлетів занадто близько до сонця. Віск розплавився, і Ікар впав у море. Його ноги, що видніються у правому нижньому куті полотна, — невелика, але ключова деталь історії.
Крім цього, картина буквально сповнена прихованих натяків на відомі на той час прислів’я. Наприклад, мішок, притулившись до каменю, нагадує: «Те, що посіяно на скелях, не може там рости». А сама композиція перегукується з фламандським прислів’ям: «І фермер продовжував орати…», підкреслюючи байдужість людей до чужого горя.
Оділон Редон, «З закритими очима» (1890)
Написана в 1890 році картина «З закритими очима» є портретом Камілли Фальт — дружини автора. Це версія більш раннього малюнка, що символізує погляди Редона на мистецтво. Він хотів звернути свій погляд всередину себе, не відволікатися на видиму реальність і знаходив в цьому справжнє натхнення для свого мистецтва.
Ян Давидс де Хем, «Натюрморт з фруктами» (1650)
Вважається, що в жанрі натюрморту існує особлива мова символів і багато звичних деталей мають особливий підтекст. Ян Давидс де Хем активно використовував цей прийом у своїх роботах. Так, виноград на картині означає задоволення, молюски асоціюються з багатством і розкішшю. Про це ж на подібних картинах говорять очищений від шкірки лимон, золото і срібло.
